Greg Godels
Greg Godels escreveu comentários culturais para a publicação comunista dos EUA, The Daily/Weekly World. Hoje, ele escreve comentários políticos e econômicos de uma perspectiva marxista-leninista.
A revolucionária jornada musical de Coltrane
Greg Godels traça a música revolucionária de John Coltrane no contexto dos anos 60 de conflito de classes e lutas de libertação negra.
John Coltrane morreu há cinquenta anos em julho passado. Em 1967, sua morte, assim como sua música, passou despercebida pela maioria das pessoas. Hoje, seu nome faz parte do folclore musical da mesma forma que Louis Armstrong e Charlie Parker são reconhecidos até mesmo por aqueles que não ouviram mais do que algumas notas de sua música. Mas na década de 1960, a música de Coltrane quase nunca era ouvida em rádio ou televisão comercial, raramente oferecida em ondas de ar públicas e conhecida apenas por um círculo de seguidores extremamente apaixonados.
Eu fazia parte daquele grupo de viajantes dedicados na jornada de Coltrane. Sua morte me atingiu com mais força do que a perda de quase todos, exceto meus amigos e parentes mais próximos. Sua música moldou minha sensibilidade talvez tanto quanto qualquer outra coisa em meus anos de formação. Coltrane teve esse efeito em muitos de seus seguidores mais comprometidos. Nós éramos um culto? Talvez. Mas prefiro acreditar que fomos os poucos afortunados que tiveram sua música como uma influência emocional, social e intelectual, uma força poderosa que moldou nossa visão de mundo.
A música
Em meados da década de 1950, Coltrane ganhou destaque como uma voz principal no saxofone tenor na música de improvisação afro-americana. Muitos viram Sonny Rollins, um músico extraordinariamente lírico, como o único tenor rival entre a geração de músicos gerada pelo movimento Bebop. O estilo mais harmonicamente complexo, urgente e multi-notas de Coltrane pode ser visto como o culminar dos inovadores sofisticados de músicos centrados em Nova York como C. Parker e JB Gillespie da década de 1940. Essa corrente de meados da década de 1950 era frequentemente caracterizada como "Hard Bop".
O trabalho de Coltrane com Miles Davis e Thelonious Monk moldou ainda mais sua música, particularmente a não convencionalidade e dissonâncias dissonantes de Monk. As colaborações finais de Coltrane com Davis, como exemplificado pela monumental gravação de Milestones, começaram a libertá-lo das restrições agora confinantes do Hard Bop. Ao mesmo tempo, a saída de Coltrane do Hard Hop, sua assunção da liderança de seu próprio grupo e sua busca por uma nova abordagem trouxeram intenso interesse e controvérsia crítica na chamada comunidade "jazz".
A comunidade do jazz ocupou um nicho único na vida cultural dos Estados Unidos. Nunca fazendo parte do mainstream da música popular, exceto como uma imitação branca na época da segregação racial institucionalizada, a música de improvisação afro-americana, no entanto, capturou a atenção de artistas e intelectuais boêmios. Seu status outré só o tornou mais atraente para eles.
A esquerda das décadas de 1930 e 1940 também abraçou a música. Sua estatura como um produto único da experiência negra se encaixa bem com a luta da esquerda por justiça racial. O abraço foi retribuído por músicos atraídos pelo compromisso da esquerda - particularmente da esquerda comunista - na luta contra o racismo. Alguns músicos da época eram comunistas, muitos eram próximos dos comunistas ou partidários dos comunistas.
Com a repressão da Guerra Fria ao comunismo, ao trabalho e à esquerda, o jazz tornou-se para alguns a expressão da rebeldia e da rejeição dos valores estadunidenses sem desafiar os fundamentos das relações econômicas capitalistas e as distorcidas relações de poder que se seguem. Escritores da década de 1950, de Jack Kerouac a Norman Mailer, encontraram subversão codificada no jazz moderno da época: como música "fora da lei", o jazz escapou da conformidade cultural guiada pelo medo da década de 1950. (O ritmo e o blues urbanos populares, com apelo de massa, desfrutavam de um status um pouco semelhante na época, mas por causa de seu apelo crescente e amplo, foi rapidamente transformado em rock and roll insípido.)
Foi perto do fim do período mais extremo de histeria anticomunista, os dias finais do macarthismo, o declínio do conformismo irrefletido, quando Coltrane encontrou sua voz. Ainda mais significativo, Coltrane partiu em sua jornada enquanto a agitação social do movimento pelos direitos civis atingia um ponto de ebulição com manifestações, protestos, registro de eleitores e passeios pela liberdade. Foi nessa época que ele começou a pressionar os limites harmônicos, a duração e a forma do solo, e confiar mais nos efeitos vocais em sua música.
Embora este período de desenvolvimento de Coltrane seja frequentemente associado à formação de seu quarteto "clássico", foi realmente a colaboração com o saxofone alto/baixo e clarinete/flautista Eric Dolphy na segunda metade de 1961 que impulsionou Coltrane nas buscas sônicas. dos próximos seis anos. A última gravação do Atlantic, Olé, especialmente a composição do título com suas referências a El Quinto Regimiento, e as sessões ao vivo do Village Vanguard exibem o toque tenso, urgente e de energia intensa que caracterizou toda a música subsequente de Coltrane, exceto as baladas ou obras elegíacas. A voz gélida, ritmicamente acentuada e parecida com um discurso de Dolphy incitou Coltrane além de seu tom limpo e puro e para efeitos mais guturais, extra-musicais e solos nervosos.
Assim como o movimento dos direitos civis estava pressionando os limites da tolerância liberal no início dos anos 1960, a música de John Coltrane estava incomodando os ouvidos sérios de muitos no estabelecimento do jazz, particularmente alguns dos críticos do Downbeat que viam a colaboração Coltrane/Dolphy como " anti-jazz”.
Com o apoio de Bob Thiele, da ABC-Paramount/Impulse Record, Coltrane foi capaz de continuar sua busca pelos próximos cinco anos, avançando cada vez mais em território musical inexplorado. Houve pausas ocasionais em torno de material mais convencional (baladas, Johnny Hartman, Duke Ellington). Se as pausas foram momentos de trégua ou impostas pela gravadora por motivos comerciais não importa – a jornada continuou.
O lançamento do disco de 1965, A Love Supreme, é considerado por muitos como o trabalho mais completo e satisfatório de Coltrane e uma declaração definitiva de seu compromisso espiritual abrangente. Certamente era incomumente popular. Sua acessibilidade se deve à sua religiosidade mais contida, sua reverência. A intensidade está lá, mas contida por uma piedade proposital.
Mas foi apenas um breve resumo antes de um retorno à exploração. Meses após o lançamento de A Love Supreme, Coltrane apareceu no primeiro e único Downbeat Jazz Festival em Chicago (minha primeira e única experiência de Coltrane ao vivo), tocando com o ardente saxofonista tenor Archie Shepp. Uma platéia que esperava ouvir os cânticos tranquilizadores e os gritos elevados, mas contidos de A Love Supreme, ficaram muito desapontados. Coltrane partiu em novas aventuras; mais do que algumas vaias podiam ser ouvidas.
Os dois anos restantes da vida de Coltrane continuaram a jornada. A música era emocionante, mas desafiadora para aqueles dispostos a investir e ouvir com atenção. A promoção generosa de Coltrane de músicos menos conhecidos foi louvável, mas muitas vezes teve um custo. O jovem saxofonista tenor, Pharoah Sanders, trouxe efeitos penetrantes e dramáticos à música que, com o tempo, se tornou superficial e repetitiva. E enquanto o substituto Rashied Ali era um excelente baterista "livre", ele nunca parecia criar a tensão sonora que o inimitável Elvin Jones fez com Coltrane. Todas as grandes músicas negociam com tensão emocional e liberação; Jones e Coltrane conseguiram isso coletivamente mais do que qualquer outro músico da época.
Da mesma forma, o pianista McCoy Tyner do quarteto "clássico" possuía uma poderosa mão esquerda que fornecia o fundo harmônico, as figuras complexas e percussivas que, com a bateria de Jones pressionando, impulsionaram as explorações de Coltrane. Sua substituição pela séria Alice Coltrane acrescentou cor, mas perdeu propulsão. Mas a última fase de Coltrane continua sendo um estudo sobre mudanças e riscos. A música era sempre inquieta e inquietante.
O significado de Coltrane
A música de John Coltrane foi revolucionária. Não no sentido de que transmitiu uma mensagem abertamente revolucionária, mas no sentido de que refletiu uma época de mudanças sociais substanciais, uma era de fermento e possibilidade revolucionários. Porque a música instrumental é não proposicional, sem uma mensagem coerente, só pode ser revolucionária no sentido emocional. E foram as emoções da época que a música de Coltrane capta e transmite, em grande parte da maneira que algumas das músicas de Beethoven captam e refletem emocionalmente suas esperanças e percepções das mudanças sociais do início do século XIX.
Certamente, alguns títulos de suas músicas revelam que Coltrane estava em contato com as correntes libertadoras de seu tempo. As referências à África e à sua recém-descoberta liberdade são abundantes nestes títulos originais: Liberia, Africa e Dahomey Dance. E a consciência da luta de libertação negra é evidenciada por Song of the Underground Railroad, Reverendo King e a resposta pungente ao bombardeio de Birmingham, Alabama.
Não diminui o caráter revolucionário de Coltrane notar o trabalho consciente e explicitamente nacionalista e influenciado pelo marxismo de um artista contemporâneo como Archie Shepp, especialmente porque foi o patrocínio de Coltrane que lançou Shepp diante de um público maior.
Coltrane desafiou o bar, cabaré, clube "gueto" ao qual a música afro-americana havia sido relegada. Ao contrário da música "séria", a música negra era rebaixada como acompanhamento para beber, dançar e conversar. Anteriormente, os músicos tentaram desafiar essa imagem, mas nenhum com tanto sucesso quanto Coltrane. Seus longos solos, estudos de complexidade e intensa concentração de seu público, efetivamente mataram o negócio de venda de bebidas e transformaram aparições em shows. Sua música começou a mudar substancialmente o status material dos artistas afro-americanos de artistas para artistas.
Outros músicos de jazz evoluíram ou recorreram a outros gêneros para atualizar sua música - música caribenha, música africana, música brasileira, rock, klezmer etc. Coltrane também. Mas ninguém pressionou persistente e intensamente além dos limites da convenção e da tradição como Coltrane; ele buscou incansavelmente o "novo". Tudo parecia possível. Sua jornada acompanhou cuidadosamente o momento. No início da década de 1960, com o retrocesso do macarthismo e a segregação institucional sob ataque, tudo parecia possível para uma geração jovem nos EUA. É claro que essa sensação do possível foi frustrada nos últimos anos da década pela guerra, assassinatos e repressão violenta. Indiscutivelmente, nunca foi recuperado.
O comportamento performático de Coltrane, sem as brincadeiras ou palhaçadas esperadas dos músicos de jazz, seu profissionalismo e sua intensidade de propósito abordavam os estigmas de classe e raça. A música afro-americana apresentada por Coltrane e por outros que se seguiram, estabeleceu a música como mais do que entretenimento de "corrida" para as massas. Sua música refletia e reforçava a crescente autoconfiança e autoestima dos negros nos EUA.
Seria um erro ver Coltrane como um líder dos movimentos de seu tempo, como uma faísca indispensável para a mudança. Marxistas vulgares como Frank Kofsky tentaram retratá-lo dessa maneira, como um ícone nacionalista negro. Coltrane rejeitou educadamente essa caracterização sem rejeitar a política de libertação negra ou seus vários líderes.
Em vez disso, devemos ver o fenômeno Coltrane como um reflexo da política promissora da época. Escritores de jazz pensativos como os marxistas Sydney Finkelstein e 'Francis Newton' (Eric Hobsbawn) foram pioneiros no estudo da música através das perspectivas de classe, raça e momento histórico, assim como um escritor de geração posterior, o nacionalista negro que se tornou marxista Leroi Jones /Amir Baraka. Eles interpretaram o Blues, o jazz primitivo, o Swing e o Bebop como o produto da conjunção de relações raciais, divisões de classe e as condições históricas que informam a produção artística.
Devemos ver a busca de Coltrane pela liberdade das restrições sociais, econômicas e musicais que ele herdou como um produto semelhante, um produto de uma época em que negros e brancos nos EUA acreditavam com fervor que estavam em busca de um , mundo mais justo. Infelizmente, nos EUA, temos lutado para retornar a essa busca e nossa cultura em grande parte decadente reflete esse fato.
Greg Godels também escreveu sob o pseudônimo de Zoltan Zigedy.
